簡要分析戲曲表演的程式性、歌舞性、戲劇性、節奏性和時空限制性以及影視表演的逼真性、分鏡頭表演、鏡頭感、想象力等特點，并圍繞觀賞的同步性差異、觀眾的感受差異、表現力差異、情感表現等方面，就二者的創作特點差異進行探討，以期為戲曲及影視從業人員提供一定參考。

近年來，傳統戲曲被越來越多的人關注，戲曲表演也成為廣大觀眾欣賞的重要內容。對影視行業的發展而言，適當借鑒戲曲表演能夠為影視表演的創新、豐富與發展注入更多活力。戲曲和影視作為兩種不同的藝術形式，相應的表演雖然具有一定的共通性，但也有很多差異。準確把握二者差異，有助于影視演員能有效借鑒戲曲表演的精華，實現自身表演水平的提升。若只是一味地照搬戲曲表演則會出現“畫虎不成反類犬”的情況。

戲曲表演和影視表演的特點分析

戲曲表演的基本特點

戲曲表演作為中國傳統的戲劇表演，綜合了對白、音樂、歌唱、舞蹈、武術、雜技等各種表演形式，具有極其鮮明的特點。

1.程式性

戲曲表演往往是基于特定程式展開的，通過程式可以對戲曲的舞臺演出風格進行統一，同時可以以更具藝術化的方式展現表演內容。戲曲是由民間藝人創作的、面向大眾進行表演的藝術，程式化的戲曲表演能夠在物質條件較為簡陋的情況下為觀眾帶來更加生動、形象的藝術表現。以容易被觀眾理解且具有強烈藝術性的形式，規范化地表現復雜紛呈的生活現象，豐富人們的娛樂生活。換言之，程式性特點實際上是戲曲表演對生活進行藝術加工的產物。

2.歌舞性

戲曲表演往往以“唱念做打”為核心。無論是“唱”還是“念”，都是音樂美的體現；無論是“做”還是“打”，都是形體動作之美的體現。換言之，歌舞是戲曲表演的關鍵組成部分，相應的歌舞性也是戲曲表演的重要特點，其能夠以藝術化、生動化的形式為觀眾展示戲曲魅力。

3.戲劇性

雖然歌舞是戲曲表演的重要元素，但戲曲中的歌舞表演與常規的歌舞表演存在巨大差異。在戲曲表演中，歌舞藝術是戲曲的永恒來源，需要通過戲劇化、性格化的歌舞表演配合故事講述進行藝術表達。換言之，戲曲表演中的歌舞不僅承載著展示藝術之美的職能，還發揮著敘事、抒情、表現特定人物與情境、揭示復雜矛盾沖突的作用，故而戲曲表演有著較為強烈的戲劇性。

4.節奏性

節奏是“唱念做打”等藝術形式的共同要素。在戲曲表演中，具體的對白、音樂、歌唱、舞蹈等都需要講究節奏，宏觀的故事表現、情感表達也往往離不開節奏的支持。具備良好節奏的戲曲表演，能帶給觀眾良好的視聽享受與藝術體驗。

5.時空限制性

戲曲表演是通過舞臺空間加以呈現的，其空間受到嚴重限制。在空間受限的情況下，時間表達也會受到一定限制。一方面，戲曲表演往往需要通過連續流暢的表演向觀眾呈現內容；另一方面，大幕等給戲曲表演帶來的時空延展作用有限，頻繁應用會打亂戲曲表演的連續性與節奏性[1]。

影視表演的基本特點

1.逼真性

真實性與沉浸體驗是觀眾對影視劇提出的要求，同時也是影視作品創作的要點。而相應的影視表演，自然需要具備逼真性這一特點，即演員在影視作品中的表現應當足夠生活化、自然化和真實化，盡量抹除表演痕跡，讓觀眾感受到他們是在觀看真實發生的故事。只有這樣，影視表演才能真正打動觀眾，令觀眾產生良好的觀看體驗。

2.分鏡頭表演

影視作品的創作往往是基于多個鏡頭組合而成的，后期剪輯對影視作品的表現力有著巨大影響。演員需要適應分鏡頭表演，即要在整體把握表演內容的前提下考慮鏡號、場景、景別、鏡頭位置等因素的影響，對更為具體的分鏡頭表演進行鉆研。這樣既能方便后期剪輯與制作，也能增強分鏡頭的表現力以及影視作品的綜合表現效果。

3.鏡頭感

在影視作品中，演員的表演并非直接面向觀眾，而是面向鏡頭。這意味著演員的一舉一動，哪怕是一個細微的動作甚至是微表情，都會在屏幕上被放大。因此，演員需要具有良好的鏡頭感，不僅要能夠適應在鏡頭面前進行表演，還要根據不同的場景、攝影技巧、鏡頭表達需求等及時調整自己的表演方式，從而增強自身在鏡頭中的表演效果[2]。通常來說，遠景鏡頭中，演員需要著重突顯自身的形體表現力；而特寫鏡頭中，演員則往往需要通過眼神、表情等表達豐富的內心體驗與細膩的情感訴求。

4.想象力

隨著時代的不斷進步與發展，計算機技術在影視領域的應用日漸普遍，CG技術、綠幕拍攝也成為現代影視領域中常見的影視劇創作模式。后期特效技術在影視作品中的應用增多，意味著相應的實景拍攝畫面會大幅減少。在大量應用綠幕拍攝的影視作品中，演員的表演往往需要發揮自身的想象力，要在導演的引導下想象后期特效的實際效果，進而更好地完成無實物表演，保證自身的表演能夠與后期特效制作相匹配。

基于戲曲表演和影視表演創作特點差異的探討

戲曲表演和影視表演本身就存在巨大的特點差異，這意味著二者具有截然不同的創作特點，創作模式也有所不同。準確把握二者之間的創作差異，既能避免創作中出現相互混用而影響創作質量與效率的情況，也能為新時期背景下戲曲及影視作品的創新發展帶來更多可供嘗試的借鑒。無論是進行戲曲創作還是影視創作，都需要對演員的表演模式、特點進行準確理解和把握，進而采取合理有效的方式進行創作，方能切實保障創作質量，達到作品表現形式與演員表演高度契合的效果。要想弄清楚戲曲表演創作與影視表演創作的差異點，往往需要在研究二者共性的基礎上進行延伸，在其共有的特性中系統化地挖掘不同點，才能確保全面把握二者的差異。無論是戲曲表演還是影視表演，二者在創作層面都具有較強的綜合性，且其演員在藝術創作方面也具有一定的相似性，甚至二者的藝術創作模式還具有極強的互通性。從這些共同點出發，剖析二者的表演創作特點差異，能很好地為相應的表演創作提供有力支持。

觀賞的同步性差異

無論是戲曲作品還是影視作品，都是為觀眾而創作、生產的。雖然現代戲曲創作與影視創作都存在“創作者主義”，即并不關注觀眾需求，完全以表達創作訴求為中心，但是這類作品只是極少的一部分，大部分的戲曲作品和影視作品在創作過程中還是以滿足觀眾的觀看需求、帶給觀眾良好體驗為目的的。同樣，表演創作也需要從觀眾角度進行思考。戲曲和影視劇作為兩種不同的藝術形式，在觀眾觀賞的同步性方面存在巨大差異，其演員表演創作特點也會由此而產生不同。戲曲作品是同步展現給觀眾的，需要戲曲演員持續為觀眾進行表演，即便中間存在大幕落下的轉場調整，休息時間也極短；而影視作品中的演員并非直接面向觀眾進行表演，而是在鏡頭前完成表演并經過后期制作生產出最終的成品，觀眾看到的演員表演往往不是連續性的，而是由多段表演組合而成。在這種情況下，戲曲演員和影視演員在進行表演創作時，往往需要遵循兩套不同的邏輯。戲曲演員需要直接面向觀眾，從頭到尾地理解自身的表演內容，并通過提前排練把握其中的關鍵節點，進而流暢地完成表演[3]。因此，戲曲演員進行表演創作時，往往以整體的流暢表演為基礎，再進一步對其中的各個細節進行調整和優化；而影視演員則要考慮分鏡拍攝以及后期制作的需求，在整體把握表現基調的前提下，著重對各個鏡頭、場景的表演進行“精雕細琢”，無需著重考慮不同鏡頭下表演的連續性，要以細微、真實的表演打動觀眾。

觀眾的感受差異

觀眾在觀看戲曲作品與影視作品時，往往會抱有不同的心理預期，同時也會產生不同的感受。觀眾在觀看戲曲作品時，重點往往會放在“唱念做打”等體現戲曲藝術的層面上；而在觀看影視作品時，重點則會被畫面、光影、構圖、聲效、音樂等影響，并不會時刻集中觀賞演員的表演。因此，戲曲表演創作與影視表演的創作，要基于對觀眾感受性差異的考慮采取不同的創作方法。戲曲演員往往以夯實基本功為重點，通過長期的練習，盡可能在舞臺上流暢、嫻熟地表演，讓觀眾能夠充分感受“唱念做打”中的藝術和魅力。在表演創作方面，戲曲演員自然也需要圍繞基本功的展現對自身的唱腔、動作等進行程式化設計，在符合戲曲表演規范的前提下凸顯個人功力與特色，增強戲曲表演的藝術性與魅力[4]。影視演員則需要同時從兩方面進行表演創作。一方面，演員需要配合畫面、光影等完成表演任務，讓觀眾能夠將注意力放在整個畫面之上，兼顧對故事與畫面美的觀賞；另一方面，演員需要強化和放大自身的表演，使觀眾在觀看時將注意力集中在自己的表演上，而非被畫面中的其他要素分散注意力，從而讓觀眾更好地體會人物感受、情感等。這意味著演員需要提前對劇本乃至導演的訴求進行研究，更要了解影視劇拍攝與后期制作的特點，進而針對實際需要采取合適的方式進行表演創作，確保自身的表演能夠與影視作品的創作和表達需求完全契合。

表現力差異

表現力是藝術作品打動人心的關鍵。演員要想增強自身表演的表現力，往往需要根據特定的藝術形式采取不同的方式來實現。其中，戲曲表演局限在舞臺空間內，演員和觀眾之間隔著一定距離，戲曲演員要想強化自身表演的表現力，自然不能只通過眼神、微表情等來實現，而是要借助程式化的表演模式準確傳達。戲曲演員應當著重圍繞“唱念做打”探索表演創作的要點，確保自身能夠完成程式化的表演，通過具有較為濃重表演痕跡的表演直觀地帶給觀眾良好的觀賞體驗，確保自身口齒清晰、唱詞流暢、身段良好、動作到位。而影視表演更加追求真實，其通過多樣化的鏡頭以及畫面構圖、聲效、配樂、剪輯等強化表演的表現力，因此影視演員需要通過強化真實感、層次感以及細膩感的方式來增強自身表演的表現力。在深入研究角色的前提下，影視演員需要盡可能地思考角色的真實反應，進而在表演中不著痕跡地加以體現，帶給觀眾自然、接地氣的感覺。只有看不出“表演”的影視表演，才能產生強烈的表現力。另外，影視演員還需要考慮影視拍攝與后期創作等各種因素對表演的影響，盡量探索“借力使力”的表演創作模式，即利用畫面構圖、聲效、后期剪輯、后期特效制作等不斷調整自身的表演，進一步增強表演的表現力[5]。

情感表現差異

情感表現是藝術作品表達的核心部分，是以具體的藝術內容為載體的關鍵部分。觀眾在觀看戲曲和影視劇時，不僅能夠從中了解故事及欣賞藝術形式，更能從中獲得情感上的共鳴。通常來說，無法引起觀眾情感共鳴的表演，很難被稱作優秀的表演。戲曲表演和影視表演在引起觀眾情感共鳴方面存在一定差異，這也使得演員在相應的表演創作中需要采取不同的方式展開實踐。戲曲演員需要考慮自身持續表演以及與觀眾進行互動的表演特點，盡量借助程式化的表演讓情感外化，將情感融入程式化的表演中，讓觀眾在藝術體驗中產生情感共鳴。影視演員則需要考慮自身與觀眾不直接互動的情況，在表現情感時充分借助影視劇中的各種元素，并根據實際情況采取外化或內化的方式進行處理。影視演員根據人物的性格和故事，既可以通過含蓄內斂的表演來進行情感表達，將自身的表演與影視作品的場景、畫面、配樂等結合起來，用“潤物細無聲”的方式引起觀眾情感共鳴；也可以通過外放張揚的表演來進行情感表達，以直觀、明顯的表演調動觀眾的情感。但無論影視演員采取何種方式進行情感表達，都應建立在真實這一基礎上，且應充分借鑒戲曲表演的“連續性”。即影視演員在表演創作中需要注意情感表現的前后連貫性，無論是持續維持某一種情感還是動態化地呈現不同情感，都要借助不同的鏡頭帶給觀眾連貫的情感體驗，避免出現情感割裂的情況[6]。

綜上可知，戲曲表演和影視表演雖然具有諸多的共通性，但二者依舊有著一定的差異。戲曲演員和影視演員在進行表演創作、練習與實踐時，可以相互學習和借鑒，并對戲曲表演與影視表演的差異進行探究，從而確保自身的表演完全契合相應的藝術表現形式，增強表演表現力，帶給觀眾良好的觀賞體驗。

參考文獻

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